1600 verkaufte Karten = 99-120 % Platzauslastung vermeldete Marlis Sennewald bei der Eröffnung und wagte einen Vergleich mit dem Schleswig- Holstein-Festival, das nur 88 % zu bieten hatte (allerdings auch ein paar Zuschauer mehr) und mit den Kahlschlägen im sonstigen Kulturleben Schleswig-Holsteins. Denn in unseren "vergessenen Oasen" (so das Thema einer Examensarbeit übers Papiertheater), auf Preetzer Gassen und Plätzen herrschte ein Trubel, der sogar einige Preetzer auf das Ereignis in ihren Stadtmauern aufmerksam machte.  
Dass wieder alles perfekt klappte, ist vor allem Marlis Sennewald, Dirk Reimers und ihren vielen Helferinnen und Helfern zu danken, die auch noch jedes Mal das zusätzliche Opfer bringen, nur eine kleine Auswahl Stücke sehen zu können. Leider hat auch kein noch so fleißiger Zuschauer die Chance, alle zu besuchen. Deshalb freuen sich die Berichterstatter für Verpasstes etwas nachliefern zu können, und zwar Willers Amtrup und Uwe Warrach für jeweils zehn Aufführungen, Norbert Neumann für eine weitere, so dass alle 16 Vorstellungen zu Wort kommen, einige sogar unter verschiedenen Blickwinkeln.
Dazu haben wir einige Akteur/innen beim Vor-und Nachbereiten beobachtet.

Geistererscheinungen in Preetz
von Willers Amtrup

Sechzehn teilnehmende Bühnen, siebzig verschiedene Vorstellungen, fünf externe Spielstätten - man bräuchte logistische Unterstützung, um dieser Angebotsfülle auch nur einigermaßen gerecht zu werden und zwischendurch wenigstens etwas Zeit zu finden für Gespräche mit alten Freunden und neuen Bekannten; denn darauf hat man sich ja mindestens ebenso sehr gefreut wie auf die Vorstellungen. Und auch sonst wäre ein bißchen Beistand nicht schlecht, weil in Preetz in diesem Jahr Ritter, Tod und Teufel sowie allerhand weitere Geister ihr Wesen resp. Unwesen trieben.



Ich hangele mich bei meinem Bericht wie üblich an meiner zeitlichen Abfolge entlang und beginne mit "Sarah's Papertheatre", einem echten Familientheater der Tochter Sarah und der Eltern Sylvia und Peter Peasgood. Sie spielten "Krazy Kat" eine auf Comics von George Harriman aus dem Jahre 1936 basierende Episodengeschichte um eine Katze, die sich in einen Mäuserich verliebt, der wiederum mit Ziegelsteinen nach ihr wirft, deshalb von den Polizisten Offissa Pup, einem Hund, ins Gefängnis geworfen und daraus wieder befreit wird; zu diesem guten Ende vereinen sich alle im Gesang, begleitet von Krazy Kat (alias Peter Peasgood) auf dem Banjo.



Letzterer präsentierte nach der Vorstellung die Vorlagen für Dekorationen und Figurinen - vergleichsweise winzige Zeichnungen, die von Sarah Peasgood überaus gelungen nicht bloß vergrößert, sondern zugleich stilisiert und zu einem stimmigen Ganzen komponiert worden waren. Schon die gut ausgeleuchteten, häufig dreidimensionalen Dekorationen, die im Hintergrund jeweils von Peter Peasgood auf einer vierfach geteilten Drehbühne aufgebaut wurden, hatten einen mehrfach surrealen Charme - ich denke z.B. an die Mausefalle, die im Stück als echtes Gefängnis auftaucht. Alle Figuren wirkten ausgesprochen skurril, waren mit beweglichen Köpfen und Gliedern versehen und konnten so äußerst lebendig agieren. Die Handlung hatte Witz, eine niemals übersteigerte Dramatik und wurde von Sarah und Sylvia Peasgood live - allerdings manchmal ein wenig überzogen - gestaltet. Alles in allem ein sehr gelungener Auftakt für mich.




Die nächste Vorstellung, "Robin Hood - New Adventures", dargeboten vom "Camara Theatrum" mit Frits und Gerda de Nooijer ist optisch noch stärker eine vollkommene Eigenproduktion, denn Frits de Nooijer, ein niederländischer Maler und Zeichner, hat sämtliche Dekorationen und Figurinen gekonnt selbst entworfen und sich dabei penibel an historische Abbildungen gehalten. Das ergibt stimmungsvolle Tableaus, macht es bei der Fülle der auftretenden Personen manchmal aber etwas schwierig, die jeweils agierenden auseinanderzuhalten.



Auch die Handlung ist selbst erfunden: Robin Hood und seine Freunde werden im Wald von Räubern überfallen, können sich befreien, werden bald darauf auf einer Burg von feindlichen Truppen belagert, kämpfen später unter der Erde erfolgreich um einen dort verborgenen Schatz und überbringen diesen einem Erzbischof, der damit den gefangenen König Richard Löwenherz freikaufen soll. Dieses dramatische Geschehen wird mit vielen beweglichen Figuren lebhaft dargestellt; auch Klappfiguren nach englischem Vorbild werden mehrfach verwandt. Beweglich sind natürlich auch die auftauchenden Fuhrwerke, weiter Wurfmaschinen für die Belagerung und anderes mehr. Leider aber ist der Bühnenausschnitt ziemlich eng, und es sind wichtige Dekorationen - z.B. das brennende Schloß - teilweise so tief im Bühnenhintergrund aufgestellt, daß sie nur von wenigen Zuschauern wirklich gesehen werden konnten; der Bühnenausschnitt könnte mit Gewinn vergrößert werden.



Und auch das streckenweise etwas einfache Libretto bedürfte der Verbesserung. Insgesamt aber eine zweifellos lohnende Vorstellung.
 
Man könnte meinen, daß gegenüber solch professioneller Kunst schlichtere Präsentationen hoffnungslos abfallen müßten. Das Gegenteil bewies bald darauf Winnie Deichmann Ebert von "Amager-Scenen" mit ihrer "Geschichte einer Mutter" von Hans Christian Andersen. Wie die Spielerin eingangs ausdrücklich hervorhob, handelt es sich entgegen der Ankündigung nicht um ein Märchen, sondern um ein Stück aus den "Geschichten" Andersens. Ihr Inhalt ist bald erzählt: Während eine Mutter bei der Wache neben ihrem schwerkranken Kind kurz einschläft, wird dieses vom Tod geholt. Die Mutter macht sich verzweifelt auf die Suche nach dem verschwundenen Kind und fragt nacheinander die Nacht, einen Dornenbusch, einen See, eine Gärtnerin nach dem Weg, muß für die Auskunft jeweils teuer u.a. mit ihren Augen und ihrem Blut bezahlen und findet schließlich den Tod in Gestalt eines Hüters über ein riesiges Gewächshaus, in welchem alle Bäume und Blumen menschliches Leben repräsentieren. Als sie ihm droht, zwei dieser Blumen, darunter die ihres Kindes, einfach auszureißen, zeigt ihr der Tod das zukünftige Schicksal dieser zwei Menschen im Falle des Weiterlebens. Die Mutter erkennt, daß ihrem Kind nichts als Elend bevorstehen könnte, und überläßt Gott die Entscheidung über die Zukunft. Diese Geschichte wird von der Spielerin live sehr eindrucksvoll und einfühlsam erzählt, während sie ohne Pause die meist dänischen Dekorationen wechselt und die Figuren - mehrfach Dreh- bzw. Klappfiguren -  agieren läßt. Besonders schön gelungen ist die nach einem Foto gestaltete Schlußdekoration des Pflanzengartens. Ich habe keinen Zuschauer getroffen, der diese schlichte Vorstellung nicht ebenso wie ich als besonders anrührend empfunden hätte.




Die nächste Vorstellung brachte für mich einen der Höhepunkte des diesjährigen Treffens, das "Wiener Papiertheater" mit Kamilla und Gert Strauss sowie Manfred Heller. Sie spielten "Der Bauer als Millionär - oder das Mädchen aus der Feenwelt", ein "romantisches Original-Zaubermärchen" mit Musik von Ferdinand Raimund aus dem Jahre 1826, zu dem Trentsensky im selben Jahr ein Großes Theater und Figurinen von Schwind herausbrachte. Die Handlung ist einigermaßen kompliziert und kann deshalb hier nur angedeutet werden: Lottchen, die Tochter der Fee Lakrimosa, muß auf Geheiß der mächtigen Feenkönigin einen armen Menschen-Mann heiraten und wird deshalb dem armen Waldbauern Fortunatus Wurzel übergeben, der sie verheiraten soll. In Betracht kommt der arme Fischer Karl, doch wird die Verbindung aus verschiedenen Gründen von den Geistern Neid und Hass - beide im Personenverzeichnis des Stückes als "Milchbrüder" gekennzeichnet - hintertrieben, die zunächst Wurzel, dann Karl steinreich werden lassen, so daß aus Lottchens Heirat mit einem armen Mann nichts mehr zu werden scheint. Erst als der Magier Ajaxerle aus Donau-Eschingen und der Geist Zufriedenheit ihr mit allerlei Zauberei zu Hilfe kommen, erkennen die beiden Krösusse, daß Geld allein nicht glücklich macht, verzichten darauf und machen so den Weg frei für die Heirat. Natürlich werden anschließend sowohl Wurzel wie Karl für ihre Einsicht belohnt, wenn auch in geringerem Umfang als zuvor. Dieses Zaubermärchen ist wirklich zauberhaft auf die kleine Bühne gebracht worden. Die Spieler verwenden traditionelle Vorlagen - oft von Trentsensky - für ihre Dekorationen und Figurinen - aber was sie daraus machen, ist überaus modern. Da wabern Nebelschwaden über die Bühne, glitzern Lichter an winzigen, beweglichen Leuchtern, erscheinen Geister bei Blitz und Donner als Projektionen, fällt virtueller Schnee, verwandeln sich Fenster in Fernseher. Die Ausleuchtung, u.a. mehrfach durch Spots,  ist stimmig und absolut synchron zur Handlung. Akustisch wird die Aufführung bestimmt durch eine alte Hörspielaufnahme des ORF von 1955 mit viel Musik - ich verstand den Text zwar gelegentlich so wenig wie bei anderer Gelegenheit das "Franzenglish" (ich will ja keine Namen nennen), aber die wienerische Atmosphäre war damit perfekt eingefangen. Begeisterter Applaus.





Und noch einmal das Thema "Geld macht nicht glücklich": "Baldi's Papiertheater" aus der Schweiz, bestehend aus Adolf Baldinger und drei weiteren Mitstreitern, brachte "Die Geschichte vom Soldaten" auf die Bühne, ein Stück von Igor Strawinsky und dem Schweizer Autor Charles Ramuz: Ein Soldat, auf Heimaturlaub auf dem Wege nach Hause, tauscht seine Geige - seine Seele - gegen ein Zauberbuch ein, das ihm unermeßlichen Reichtum beschert. Erst später bemerkt er, daß er ein Geschäft mit dem Teufel getätigt hat, der ihm außerdem nur noch einen einzigen Besuch in seiner Heimat gestattet. Der Soldat wird tatsächlich reich und reicher, wird aber ständig unglücklicher, zerreißt das Buch und eine als Ersatz gekaufte falsche Geige, gewinnt dann durch eine List seine alte Geige zurück, heilt (und heiratet) mit ihrem Ton eine Prinzessin und verfällt schließlich doch dem Teufel, weil er vor lauter Heimweh sein Dorf zu besuchen versucht und dadurch das unverändert gültige Verbot verletzt. Diese "Geschichte" ist als Stück für das Papiertheater etwas heikel, denn sie wurde von den beiden Autoren in schlechter Zeit - nämlich 1918 - speziell für ein kleines Ensemble einer Wanderbühne geschaffen und sollte deshalb mit einem minimalen Aufwand von Schauspielern auskommen. In der Konsequenz sollte der meist gereimte Text teils von einem Vorleser zur Musik rhythmisch deklamiert, teils von ihm und den Schauspielern zum Geschehen auf der Bühne gesprochen werden. Zitat Ramuz: "Die Erzählung und damit der Vorleser stehen im Vordergrund. (Er) muß ... die Handlung vermitteln ... und das ganze Szenenbild sichtbar machen, schon bevor Personen und Szenenbild da sind..."



Die Folge ist ein etwas zwiespältiger Eindruck dieser Aufführung: Während teilweise längere Passagen der Handlung bei geschlossener Bühne nur vom Erzähler vorgetragen werden, ist das, was sich dann auf geöffneter Bühne tut, absolut überzeugend. Die von Baldinger entworfenen Dekorationen sind mehrfach eindrucksvoll - besonders gelungen der Rollhorizont im 2. Bild und der Teufelsrachen am Schluß - , fast alle Figurinen sind beweglich gestaltet, etliche Szenen hätte man länger oder wiederholt sehen mögen - ich denke an das fliegende Pferdefuhrwerk des Teufels, Soldat und Teufel beim Kartenspielen und den tanzenden Teufel im Zimmer der Prinzessin. Eine schöne Aufführung, die aber noch schöner werden könnte, wenn man noch mehr von der Erzählung wirklich als Spielhandlung zeigen würde.

Auf die dezenten Anzüglichkeiten von Valerie und Michael Nelson mit ihrem "Little Blue Moon Theatre" freut man sich nun schon einige Jahre jedesmal aufs Neue. Diesmal präsentierten sie "Roman Reveries", Episoden einer Italienreise eines jungen Paares, die sich zu einer Mixtur aus Realität und Wunsch- bzw. Albträumen entwickelt. Köstlich schon der Beginn, wenn man das Paar am Tisch eines Straßencafés in Venedig - wo sonst ?- in vier rasch wechselnden Bildern so lange streiten sieht, bis die junge Dame wutentbrannt wegläuft. Ihr geschieht dann in der Folgezeit auch das meiste: Unvorsichtigerweise hängt sie ihre Kleidung vor einem Bade an einen Haken, der sich als Teil eines Hirschgeweihs entpuppt und natürlich bald auf Nimmerwiedersehen entschwindet. Aber auch der Jüngling bleibt nicht lange bekleidet, und beide erleben dann getrennt alle möglichen erotischen Abenteuer, bis sie die Stadt am Ende gemeinsam wieder verlassen. Die junge Lady wird von römischen Legionären gejagt, weibliche Zentauren "kümmern" sich um den Jungen, der bald darauf von vier nackten Damen davongetragen wird. Neptun erscheint, ein römischer Adliger vernascht die Lady hinter den Kulissen so energisch, daß die ganze Bühne wackelt, Leda mit dem Schwan wird zitiert, alle Beteiligten präsentieren erotische Akrobatik der Spitzenklasse. Das alles ist wie gewohnt in Dekoration und Figurinen höchst witzig selbst entworfen. Dabei wird außer der begleitenden Musik praktisch kein Wort gesprochen - gegen Ende aber singt Valerie Nelson zwei Arien von Puccini, sehr, sehr schön. Insgesamt wieder eine sehr gelungene Vorstellung - allerdings trauere ich den früher erzählten geschlosseneren Geschichten im Vergleich zu den italienischen Episoden etwas nach.

Die nächste Vorstellung war für Puristen sicher ein wenig gewöhnungsbedürftig - ich selbst empfand sie als einen weiteren Höhepunkt dieses Treffens. Die Rede ist von den "Farben des Südens" mit "Haases Papiertheater". Schon die "Bühne" ist ungewöhnlich: eine Staffelei mit einem zunächst schwarz verhängten goldenen Bilderrahmen, in welchem während des Spiels acht verschiedene Bilder Vincent van Goghs erscheinen, durch die der Lebensweg des Malers vom Beginn seiner Berufung als Maler bis zu seinem Tod dargestellt wird. Alle diese Bilder - darunter die berühmte Zugbrücke und das gelbe Haus bei bzw. in Arles, die Fischerboote am Strand und die nächtlichen Sternenwirbel über den silhouettenhaften Zypressen - sind zunächst nur zweidimensional sichtbar, verwandeln sich aber in dreidimensionale Landschaften, in denen ein Pferdefuhrwerk über die Zugbrücke fährt, Wäscherinnen tatsächlich waschen und Wäsche auswringen, Bahnen und Schiffe sich bewegen und im Schlußbild der (allerdings im Original nicht hierhin gehörende) Maler selbst durch das Kornfeld wandert. Möglich wird das dadurch, daß die einzelnen Gemälde mit Hilfe des Computers in verschiedene Ebenen zerlegt worden sind, die anfangs eng aufeinanderliegen, dann aber wie eine Ziehharmonika auseinandergezogen werden und ihre räumliche Wirkung entfalten. Das wirkt bei der ersten Verwandlung echt verblüffend, ist aber auch bei allen folgenden Bildern so raffiniert gemacht, daß man immer wieder innerlich Beifall klatscht. Im Verlauf der Vorstellung schildert Sieglinde Haase den Lebensweg von Goghs und baut dann anschließend die "Bühne" um, während Martin Haase aus Briefen des Malers an seinen Bruder Theo vorliest und stimmungsvoll Gitarre spielt. Nicht zu vergessen eine gute Lichtregie und mit einfachsten Mitteln erzeugte Geräusche - eine beeindruckende Vorstellung!




Als nächstes bot Per Brink Abrahamsen von "Svalegangens Dukketeater" sein Stück "Heloise" ("Die Heldin") nach einer Geschichte von Karen (Tanja) Blixen dar. Das Geschehen beginnt in Berlin im Jahre 1870 kurz vor dem Ausbruch des deutsch-französischen Krieges und zeigt zunächst einen französischen Theologiestudenten, der im Museum außer religiösen Bildern auch Darstellungen nackter Frauen, darunter der Venus, entdeckt, dann wegen des Kriegsausbruchs schleunigst nach Frankreich zurückwill, aber in Saarburg hängenbleibt und dort zusammen mit einer großen Gruppe von Leidensgenossen von einem deutschen Offizier unter Spionageverdacht arretiert werden soll. Dem soll die Gruppe nur dann entgehen können, wenn eine gerade angekommene französische Witwe namens Heloise sich bereiterklärt, im Kostüm der Venus (hier ist der rote bzw. nackte Faden der Geschichte) alle Pässe einzusammeln und dem Offizier zu überbringen. Heloise ist zwar bereit dazu, überläßt die Entscheidung aber der Gruppe, die das Ansinnen entrüstet ablehnt und den Offizier dadurch so beeindruckt, daß er alle laufen läßt. Jahre später trifft der Student in Paris erneut auf Heloise, die nun im Venuskostüm in einem Varieté-Theater auftritt. Per Brink Abrahamsen hat dieses Stück mit Dekorationen und Figuren von Frits Moeller zunächst in Aarhus mit einem dänischen Soundtrack aufgeführt und legte nunmehr in Preetz über diesen im Hintergrund weiter hörbaren Text die Erzählung einer Sprecherin in deutscher Sprache. Die einzelnen Akteure wurden dadurch nicht besonders hervorgehoben, und entsprechend sparsam gestaltete Abrahamsen die Figurenführung. Wie immer perfekt die Gestaltung der Bühne und die Lichtregie, u.a. mit einem überaus gelungenen Gewitter.




Ich bin kein Papiertheater-Purist und scheue mich deshalb nicht, der nächsten Vorstellung, die ich sah, den "Goldenen Schuh" - oder wie kann man in der Schusterstadt Preetz den ersten Preis sonst nennen? - zuzuerkennen. Die Rede ist von "Panteón de Fiesta" der aus absoluten Profis bestehenden mexikanischen Gruppe "Facto Teatro". Ihr Stück ist rasch erzählt und doch so vielschichtig, daß man sehr viel mehr dazu sagen müßte. Im Kern geht es um die aus der Mythologie eines mexikanischen Volksstammes stammende Reise des verstorbenen Procopio an den Ort der letzten Ruhe, eine Reise, auf der er zahlreiche Gefahren - einstürzende Gebirge, schreckliche Eidechsen, Krokodile, eisige Winde mit fliegenden Messern - bestehen und außerdem überhaupt erst begreifen muß, daß er tot ist, damit er in der Konsequenz den Sinn des Lebens begreift. Die Gruppe stellte sich zunächst kurz vor, beweinte anschließend herzerweichend Procopios Tod, erschien dann in in einer Prozession mit indianischem Federschmuck und agierte anschließend in dem für diese Vorstellung besonders geeigneten Speicher-Spielort  in der Weise, daß zwei Schauspieler im Zentrum der Aktion auftraten und zwei Musiker mit Gitarre und einer kleinen Harfe spielend und singend das Geschehen sowohl begleiteten wie vorantrieben. Die beiden Schauspieler waren jederzeit voll sichtbar, brachten sich selber ständig in die Handlung ein, benutzten teilweise eine Bühne mit einem mit Totenköpfen verzierten Proszenium, in dem sie von oben mit ihren Figuren spielten, veränderten aber ständig die Art der Darstellung und ließen bei aller Professionalität eine Spielfreude erkennen, die begeisterte. Da gab es Geistererscheinungen, eine geheimnisvoll ausgeleuchtete Höhle, fliegende Schwerter, ein als Schattenspiel gestaltetes Krokodil, das intensiv redete, ein überaus erheiterndes Trinkgelage und schließlich einen Nackthund, die nach dem Einführungstext "sowohl als Haus- und Wachtier, aber auch als Nahrung sehr beliebt" waren. Hier war  manches gewiß kein Papiertheater im hergebrachten Sinne, aber ich finde solchen Aufbruch zu neuen Ufern unbedingt positiv, zumal wenn er in einem so perfekten Zusammenspiel dargeboten wird wie von den vier Mitgliedern der Gruppe. Rauschender Beifall.

Der folgende Beitrag stammt aus dem Jahr 2007. Er war damals in den Wirren um unsere Zeitschrift und Zeitung von der Redaktion vermarmelt worden, ist aber heute um nichts weniger interessant. Dankenswerterweise hat der Autor, Herr Dr. Roland Dreßler, seinerzeit Chefdramaturg am Mittelsächsischen Theater, ihn für uns aktualisiert. Wir danken ebenso seinem Nachfolger, Herrn Dr. Christoph Nieder, für die zur Verfügung gestellten Fotos der Papiertheater-Inszenierungen der "Zauberflöte" (2006/7) und des "Freischütz" (2007/8): Beide Inszenierungen waren mit Schauspielern aus dem Ensemble besetzt (Regie: Karl H. Gündel), die zu der eingespielten Musik die Puppen führten, Dialoge sprachen und sich teilweise auch "als Menschen" einmischten:  (Proben-)Fotos der "Zauberflöte" mit Susanna Voß und Thomas Meyer, des "Freischütz" mit Julia Klawonn und Andreas Pannach.

Die gute Nachricht: Schauspieler des Mittelsächsischen Theaters, das zwischen Leipzig und Dresden zu Hause ist, reanimieren ein Stück fast vergessener Theaterkultur. Die schlechte Nachricht: Der Versuch ist in künstlerischer Hinsicht gelungen, in marktwirtschaftlicher jedoch gescheitert. Die Rede ist von zwei Inszenierungen des Papiertheaters auf den (Studio-)Bühnen in Freiberg und Döbeln. Ein kundiger und im Papiertheater erprobter Regisseur fand einen aufgeschlossenen Intendanten und bald auch wagemutige Schauspieler, die bisher noch keine Erfahrungen auf und mit der Miniatur-Szene hatten. Doch neugierig waren sie auf die Kunst, im Kleinen das Große zu spiegeln und zu gestalten. Auf dem Spielplan 2006/2007 standen Mozarts "Zauberflöte" , in der folgenden Saison dann  Carl Maria von Webers "Freischütz".

Die altehrwürdige Guckkastenbühne maß in Breite und Höhe nicht mehr als siebzig Zentimeter. Auf ihr stellten die beiden "Menschendarsteller"  Mozarts Oper von der "Zauberflöte" dar. Besser: Sie ließen darstellen, und zwar durch kleine Figuren, die auf Löffeln befestigt sind und von der Seite - gewissermaßen aus der Kulissengasse heraus - von den Darstellern bewegt werden. Dazu wurde eine Tonaufnahme mit den markantesten Arien und Ensembles der "Zauberflöte" eingespielt, und die beiden Schauspieler sprachen Emanuel Schikaneders Dialoge. In eben dieser Weise dann auch Webers romantische Oper, mit Lichteffekten, einem Donnerblech und konservierten Weltklasse-Sängerstimmen ...
Die Aufführung lud die Zuschauer zu einer Zeitreise in die Ära des Biedermeier ein.

Tischtheater solcher Art waren in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts in vielen bürgerlichen Salons zu finden. Es war jene Zeit, in der sich das deutsche Bürgertum nach den fehlgeschlagenen Hoffnungen der Befreiungskriege in Familie und Häuslichkeit zurückzog. Im Salon entwickelte sich eine eigene Gesprächskultur und Geselligkeit, die oft von hoher Bildung und künstlerischen Neigungen getragen war. Sie schloß mit großem Interesse das zeitgenössische Theaterleben ein.

Das Kulturbürgertum jener Jahrzehnte war geradezu von Theatromanie besessen. Was Wunder, dass viele Zuschauer ihr Theatererlebnis dann zu Hause im eigenen, wenn auch sehr kleinen Theater nachspielen wollten. Es war  Vergnügen und aktiver Kunstgenuß in einem, zunächst vor allem für das erwachsenen Publikum. Auch wenn der Gedanke heute naheliegt: Die Aufführungen im Tischtheater waren überwiegend keine Parodie zur großen Bühne, kein humorvolles Nachspiel eines großen Klassikers. Dieses Theater nahm sich selbst ganz ernst. Wenn die Tochter am Klavier Mozarts "Don Giovanni" intonierte, Vater und Mutter die Arien dazu sagen, dann schauten Freunde und Verwandte durchaus gebannt, in sittlichem Ernst und emotional bewegt auf die häusliche Bühne. Sie war oftmals eine perfekte, maßstabsgerechte Kopie, die Dekorationsteile meist prächtiger und zahlreicher als jene im Stadttheater nebenan. Solche verkleinerten Theaternachbauten hatte es auch schon im 18. Jahrhundert gegeben. Jedoch begünstige die Erfindung der lithografischen Drucktechnik ihre Ausbreitung. Stimmungsvolle Bühnenbilder - Prospekte und Kulissen -  wurden jetzt auf Papier gedruckt, dann ausgeschnitten und auf Pappe oder Holz geklebt. In den Bühnenrahmen konnten mehrere Kulissen gehängt werden, die wechselnde Orte bedeuteten. Eine ganze Zahl europäischer Verlage bot die papierne Ausstattung zu den damals gängigen Stücken an. Das waren sowohl Werke aus der Abteilung Oper als auch klassisches Schauspiel oder Komödie. Die Druckanstalten waren erfindungsreich - ihre Spielräume waren oftmals prächtiger, farbenfroher, detailgenauer gemalt als es sich nebenan das "richtige" Stadttheater leisten konnte.

Zum Verkauf angeboten wurden Papierbogen zum Ausschneiden für ein Proscenium, dazu der mit einer allegorischen Darstellung ausgeschmückte Hauptvorhang, Sofitten, die den "Bühnenhimmel" nach oben abschlossen, schließlich bewegliche Versatzstücke, die als Bäume oder Möbel den Spielraum belebten, und vor allem Kulissen, die mehrere Gassen bildeten. Sie gaben der Szene die Illusion von räumlicher Tiefe. Damit konnte die sogenannte "französische (höfische) Bühne" nachgebaut werden. Sie war noch immer das im 19. Jahrhundert nur selten erreichte Muster für die deutschen Stadttheater. So konnte auf dem Tisch im Salon ein Papiertheater errichtet werden, das auch das anspruchsvollste Schaubedürfnis befriedigte - nur leider eben ein Theater en miniature. Und der Szenenwechsel mag sich auf dem Tisch rascher und leiser vollzogen haben als auf der großen Bühne, wo die Schauplätze nur mit viel Aufwand, Lärm und technischem Personal wechseln konnten. Es ist wohl kein Zufall, dass einer der bedeutendsten Bühnenbildner der Biedermeier-Theaterzeit, der an der Wiener Hofoper engagierte Theodor Jachimowicz, zugleich für einen großen Papiertheater-Verlag viele Dekorationen entwarf.

Beim diesjährigen Treffen in Preetz gastierte Haases Papiertheater mit "Die Farben des Südens". Hier berichtet Martin Haase über
"Vergessene Oasen"

Simon Haase hat ein Papiertheatermagazin erstellt

In ihrer Eröffnungsrede zum diesjährigen Preetzer Papiertheatertreffen zitierte Marlis Sennewald den Titel einer Semesterarbeit, die mein Sohn Simon für sein Studienfach "Editorial Design" angefertigt hatte: "Vergessene Oasen". Diesen Begriff bezog sie natürlich auf das Papiertheater und fügte hinzu, als "Oase" könne man es tatsächlich bezeichnen, aber "vergessen" sei das Papiertheater nun wirklich nicht. Das Treffen in Preetz sei der beste Beweis dafür.

Aber was hat es nun mit den "vergessenen Oasen" auf sich? Das Institute of Design in Düsseldorf, an dem mein Sohn studiert, hatte den Studierenden zur Aufgabe gemacht, eine Publikation zu erstellen, also z.B. ein Magazin. Das Thema sollte möglichst wenig bekannt sein und außergewöhnlich obendrein, also eben eine "vergessene Oase". Für Simon lag es auf der Hand, sich unserem Familienhobby zu widmen, dem Papiertheater, und genau zu diesem Thema ein Magazin zu erstellen.

Doch wie sollte dieses Magazin aussehen? Was sollte darin stehen? Schnell wurde klar, dass es so etwas wie eine "allgemeine Einführung" in das Thema Papiertheater geben müsste. Und es sollte auch um die Menschen hinter der Bühne gehen, um ihre Vorstellungen und Ideen und darum, wie sie das Theater überhaupt lebendig werden lassen. Es müssten also Interviews geführt werden. Mit wem? Na klar, mit dem eigenen Vater und mit Peter Schauerte-Lüke, der ja hier praktisch "um die Ecke" wohnt. Und - da schlägt das Herz des angehenden Graphikers höher - es müsste möglich sein, ein Papiertheater-Stück optisch und graphisch so darzustellen und mit Texten zu versehen, dass der Leser einen lebendigen Eindruck gewinnt und eine Vorstellung bekommt von dem, was Papiertheater ist.



Das Magazin braucht auch einen Namen: "Der Vorhang" sollte es heißen, und es sollte möglichst perfekt sein, eben so, als hätte man es gerade am Kiosk gekauft. Die Titelseite zeigt einen roten Vorhang, der von einer Papiertheaterfigur geöffnet wird. Eine Überschrift verrät das Schwerpunktthema: "Der Mensch dahinter". Oben rechts ist der Verkaufspreis angegeben: "8,50 €". (Schön wär's, wenn man solch ein Magazin tatsächlich zu diesem Preis bekäme! Tatsächlich lag der Herstellungspreis von zwei Einzelexemplaren bei über 200,- €.)

Rainer Sennewald hat, wie lange angekündigt, seine Webmastertätigkeit für den Internetauftritt des Vereins FORUM Papiertheater und seine Redaktionsarbeit für DAS PAPIERTHEATER aus beruflichen Gründen leider aufgeben müssen.

Er hat unsere Internetseiten und die Zeitung seit 2007 gestaltet und zu dem gemacht, was sie heute sind. Dafür danken wir ihm sehr herzlich. Verbunden bleibt er uns aber als Begleiter der Preetzer Papiertheatertreffen.

      

So heißt die Ausstellung von Barbara und Dirk Reimers, die vom 14. März bis 30. November 2010 im Probstei Museum in Schönberg gezeigt wird. Wo?

In der Probstei, deren Geschichte 1226 beginnt und eng mit dem nahe gelegenen Benediktiner- innenkloster in Preetz verbunden ist, das bis 1867 höchste Instanz für Rechtsprechung und Verwaltung der Region war. Die Landschaft ist ein Teil der „Holsteinischen Schweiz“, einer für norddeutsche Verhältnisse hügeligen Gegend mit viel Seeblick. Den Einwohnern der Probstei sagt man nach, sie machten nicht viele Worte und seien etwas eigenwillig. Ihre „Hauptstadt“ ist Schönberg, und hier befindet sich das Probstei Museum. Ein idyllischer Flecken, fast ein kleines Dorf mit historischen Gebäuden, beherbergt es ein Heimatmuseum, das regelmäßig kulturelle Sonderausstellungen zeigt, so wie die Sammlung des Papiertheaters Pollidor.