Ein Vorspann von Sabine Herder und Uwe Warrach

Die Professionalisierung schreitet voran, und hier und da hat sich das Papiertheater zur ernst zu nehmenden Kunst entwickelt. Auf einem Festival, das entspannt wirkte wie nie, hatte man zuweilen den Eindruck, einer perfekt organisierten Familienfeier beizuwohnen. Alle teilnehmenden Papiertheaterspieler waren mittlerweile „alte Hasen“ und so blieben die Überraschungen in diesem Jahr weit gehend aus. Neu waren: Marlis Sennewald, langjährige Kuratorin und Organisatorin des Festivals als Spielerin – bravo! und Narguess Majds erste eigene Papiertheaterproduktion – hier kann man nur ehrfürchtig den Hut ziehen. Eine Erkenntnis in diesem Jahr: Weniger ist – manchmal – mehr, aber ein guter Soundtrack hilft über viele Klippen hinweg und vermag die erzählerische Spannung zu halten und voranzutreiben.

Neun von fünfzehn Bühnen kamen diesmal aus Übersee, Großbritannien, Frankreich, Dänemark und Österreich, und indirekt war eine Königin zu Gast. Trotz veränderter äußerer Umstände im Schulgebäude klappte alles, namentlich dank der umsichtigen und wendigen Organisation seitens der VHS–Leitung mit ihrem wackeren Hausmeister und seinem tüchtigen Team.

Noch ein Extra-Dank gebührt auch dem Catering-Unternehmer, der wie in jedem Jahr nicht nur mit leckeren Speisen aufwartete, sondern auch mit stets guter Laune.  Wie üblich herrschte sommerliches Wetter, wie es dem Norden in diesem Jahr ausgiebig beschert wurde. Das Ganze wurde wie immer begleitet von Gesprächen, Begegnungen, alten und neuen Bekanntschaften und letztendlich – erster Vorfreude auf das nächste Jahr...

Im folgenden berichten Sabine Herder, Olaf Christensen, Jens Schröder und Uwe Warrach von ihren Eindrücken bei den einzelnen Aufführungen, geordnet nach dem Theaterzettel.

Little Blue Moon Theatre – Valerie und Michael Nelson, USA
A Japanese Ghost Story

Endlich ein Wiedersehen mit Valerie und Michael Nelson! Nicht, wie angekündigt mit den Canterbury Tales sondern mit einem kleinen aber feinen Werk aus ihrem Repertoire. Die „Japanese Ghost Story“ erzählt die Geschichte von Yamome, einem alternden Mann, der untröstlich ist, als seine junge Gefährtin unvermittelt stirbt. Untermalt mit ruhig plätschernder japanischer Musik, stimmen uns zunächst einige Landschaftsansichten auf die japanische Kultur der Edo-Zeit ein. Ein balzendes Kranichpaar weist uns zum Thema, eine saftige erotische Darstellung, ebenfalls der japanischen Farbholzschnitttradition des 18. Jahrhunderts entlehnt, erinnert uns daran, was wir vom „Little Blue Moon Theatre“ zu erwarten haben. Brav ist hier nichts! Yamome, dem nach einiger Zeit die Geliebte als Geist erscheint, die jede Nacht zufrieden gestellt werden möchte, schwinden schon bald die Kräfte. Auch endet der schöne Spuk immer vor Morgengrauen. Wenn er sie nun über den Tagesanbruch hinaus beschäftigen könnte – wäre sie dann für immer sein? Yamome sucht und findet eine Lösung: Bondage! Doch anders als erhofft, findet sich das Paar bei Tagesanbruch zwar vereint, jedoch nicht mehr am Leben.
Nelsons erzählen ihre Geschichte mit einfachsten Mitteln: wunderschönen Bildern, einer zarten, leisen, die Dramaturgie der Handlung untermalenden Musik, einem poetischen Erzähltext, der von Valerie Nelson mitreißend gelesen wurde und einer spanischen Wand, die nach und nach die Ereignisse der Nacht preisgibt. Einfach schön!

Sabine Herder

Was Valerie und Michael Nelson aus den USA mit ihrem Little Blue Moon Theatre auf die Bühne bringen, ist Papier gewordene Poesie im Bilderstil japanischer Holzschnitzkunst, die von den beiden in Figuren und Kulissen mit viel Liebe zum Detail adaptiert wurde.
Das Stück handelt von der Großen Liebe und endet - wie meistens - tragisch.
Doch zwischen Beginn und Ende dieser Geschichte, die von traditionellen japanischen Geistergeschichten inspiriert ist, erlebt der Zuschauer eben jene Poesie die dieses Stück ausmacht.
Der ältere Yamome heiratet erst in hohem Alter und erlebt sein Liebesglück mit einer wesentlich jüngeren Frau.
Der Akt körperlicher Liebe wird durch einen Paarungstanz zweier Kraniche versinnbildlich, deren Figurenführung einzigartig ist.
Doch tragischer weise stirbt seine junge Frau viel zu früh.
Die Liebe ist stärker als der Tod und so erscheint ihm jede Nacht der Geist seiner verstorbenen Frau Oyume.
Jeweils nur die Nacht bleibt dem Paar für Liebe und Leidenschaft.
Dann sinnt Yamome, seine Frau für immer an sich zu binden.
Der Plan gelingt, jedoch anders als von Yamome und vermutlich auch von den Zuschauern zunächst gedacht.
Das Stück lebt von den Bildern, ihrer räumlichen Tiefenwirkung und den zarten Bewegungen der Figuren in ihnen. Der wenige zum Verständnis notwendige Text wird von Valerie mit melodiöser Stimme vorgetragen, während sich Michael ganz auf das Figurenspiel konzentriert.
Ein solches Stück käme wohl auch gänzlich ohne Spezialeffekte aus und tatsächlich gehen die Nelsons eher sparsam damit um.
Bei der geisterhaften Erscheinung der Frau oder dem Überqueren einer langen Flussbrücke zeigt sich aber, dass der pointierte Einsatz nur weniger Effekte quasi wie das Salz in der Suppe ist.
Es war wieder eine "bildschöne" Aufführung, die eine erotische Geschichte erzählt, ohne über Andeutungen hinauszugehen.
Papiertheater vom Feinsten!

Olaf Christensen
    





Eulenspiegel Puppet Theatre – Monica Leo, USA
Play to Play (or Hold Your Puppet Up!)

Play to play – von Aufführung zu Aufführung – das könnte gut als gemeinsame Überschrift über einer Veranstaltung mit einem derart prall gefüllten Spielplan wie dem Preetzer Papiertheatertreffen stehen.
Hier allerdings stand der Titel für die Lebensgeschichte der durch die Schulen der USA reisenden Puppenspielerinnen. Man reiste über 30 Jahre von Stadt zu Stadt, von Schule zu Schule und eben von play zu play, um für Kindern zu spielen und mit ihnen Puppenspiel-Kurse durchzuführen. Diese sich ständig wiederholte Abfolge der Reise und die ständig wiederholte Aufforderung an die Kinder „hold your puppet up!“ – so der Untertitel des Stückes – drückt zwar eine gewisse Monotonie im Leben der Puppenspielerinnen aus; wenn aber dieses Leben nur annähernd so bunt war, wie das hier gezeigte Stück, dann finde ich es beneidenswert.
Monica Leo hat ihr autobiographisches und als Hommage an Ihre Partnerin Teri Jean Breitbach zu verstehendes Stück alternierend in zwei Sprachen angeboten. Ich habe eine deutschsprachige Aufführung erwischt und bin mir aber sicher, dass bei der Fülle der gebotenen visuellen Eindrücke auch die englische Version meine Begeisterung nicht hätte geringer ausfallen lassen.
Sechs Stationen des Puppenspielerlebens entfalteten sich aus einem großen Pop-up-Buch und boten eine Fülle an optischen Überraschungen, vor allem auch durch die Unmengen an zusätzlichen Ausstattungsteilen und Figuren, die Monica Leo für jede einzelne Szene angefertigt hatte.
Immer wieder kommen Diskussionen auf, ob eine Aufführung Papiertheater ist oder nicht. Bei der hier gesehenen Aufführung stellt sich aus meiner Sicht diese Frage nicht. Ein Beitrag zur dieser Diskussion kann aber sein, dass eine Papiertheateraufführung wie diese von Monica Leo, die den Rahmen des üblichen kleinen und für manche als ein entscheidendes Kriterium genannten papierenden Proszeniums verlässt, für die Augen des Betrachters in der Kette von dreizehn Preetzer Aufführungen an drei Tagen eine sehr entspannende, entlastende und willkommene Abwechslung darstellt.
Danke, dass wir an dieser bunten Lebensgeschichte teilhaben durften.

Jens Schröder






Paperplay Theatre – Joe Gladwin, Großbritannien
Frankenstein lives!

Zu Beginn der Vorstellung betrat ein unheimlicher Geselle mit breitkrempigem Hut, Umhang und Laterne den Theaterraum. Joe Gladwin präsentierte sich in dieser Verkleidung als Sohn des legendären Dr. Frankenstein. Der Vorhang des Papiertheaters öffnete sich, und eben jener unheimliche Geselle mit Hut und Umhang war als Papierfigur zu sehen und die unheilvolle Handlung nahm ihren Lauf. Ich muss zugeben, dass sich mir dieser Wechsel von der realen zur papierenen Figur erst am Ende der Aufführung erschlossen hat, wenn auf der nun dekorationslosen Bühne Frankensteins Sohn im Outfit des Anfangs, nun ergänzt durch einen Regeschirm, verbleibt und Joe Gladwin in gleicher Verkleidung, nun auch mit Schirm, den Raum verlässt und verschwindet. Glücklicherweise lockt der aufbrandende, verdiente Applaus Joe Gladwin zurück.
Zwischen Auf- und Abtritt lag eine sehenswerte Aufführung, bei der Gladwin wieder einmal in gewohnter und langjährig bekannter Weise virtuos hinter seinem Theater agierte und artikulierte.
Das Theater, in dem sich die Geschichte um den Sohn Frankensteins, der sich „Herr Schmidt“ nennt und nun auf Schloss Karloff die Experimente seines Erzeugers wieder aufnehmen will, vollzog, war eine Augenweide. Ein Theater in der typisch englischen Bauweise, aber komplett in Gold gehalten mit reliefartigen Strukturen, die sich bei späterem näheren Hinsehen als mit der Heißklebepistole gezogene Linien entpuppten – sehr effektvoll. Der Grundbau des Bühnenbildes bestand aus mehreren in der Tiefe gestaffelten Bögen mit ähnlicher Struktur, aber dunklerer Farbgebung; einen passenderen Rahmen hätte man sich für diese Geschichte kaum vorstellen können.

Im gelungenen wirkungsvollen Kontrast dazu standen die vielen von Joe Gladwin selbst gezeichneten farbigen Kulissenteile und Versatzstücke der einzelnen Szenen sowie die Figuren. Erwähnenswert auch die vielen in das Stück eingebauten „Papiertheater-Tricks“ – besonders begeisterte mich die Gelungene Darstellung der Übergabe eines Briefes von Gräfin Karloff an ihre Zofe „Frau Preetz“.
Der herrliche optische Eindruck ergab in Verbindung mit dem intelligenten Text und der Gladwin eigenen Sprachgestaltung ein wunderbar schaurig-schönes Theatererlebnis.

Jens Schröder





Robert Poulter’s New Model Theatre – Robert Poulter, Großbritannien
THE MUMMY’S cheap day RETURN

Absurd, skurril, grotesk - diese Vokabeln beschreiben äußerlich, was sich da auf Robert Poulter's New Model Theatre-Bühne an Geschichte entspinnt.
Schon den Inhalt wiederzugeben fällt entsprechend schwer.
Grob gesagt geht es um die Pharao-Mumien des British Museums, die sich vor einer Übernahme "ihres" Museums durch ihre Erzfeindin Madame Loos Lee fürchten.
Wie in "The Mummy's Purse" soll Hilfe aus der Unterwelt von Yummy Mummy kommen.
Auch Inspector Wainscoat ist wieder mit von der Partie, als die wilde Jagd auf die "Meisterverbrecherin" durch das alte London ihren Lauf nimmt.
Robert Poulter spart an deftigem Wortwitz genauso wenig wie an den kräftigen Pinselstrichen, mit denen er seine Figuren und Kulissen selbst zeichnet und lebendig werden lässt.
Begleitet von einem stimmigen Soundtrack und Musik schafft Robert es bei fliegendem Kulissenwechsel, seine Figuren in bildgewaltigen Szenen auftreten zu lassen, in denen er auch nicht mit funktionierenden Fahrstühlen, rasanten Jagdszenen im Hafen und andern bewegten Effekten geizt.
Zusätzlich schafft er es, durch sein Spiel mit der Perspektive seiner kleinen Bühne eine Dreidimensionalität zu verleihen, die einen mehr als einmal in den zehn Szenen in ihren Bann schlägt.
Badende Mumien, eine Terrakotta-Armee aus Blumentöpfen und die Londoner Feuerwehr stilecht mit Dennis-Löschfahrzeug bei der Brandbekämpfung eines chinesischen Drachen gehören ebenso zu dem Stück wie der Auftritt der Göttin Ipet, der "Nilpferdgöttin", mit dem Robert seine fundierten Geschichtskenntnisse unter Beweis stellt (die Göttin gab es im Alten Reich Ägyptens tatsächlich).
Sie ist es auch, die Madame Loos Lee - zumindest für dieses Stück - endgültig in die Flucht schlägt.
Auch für Yummy Mummy wird es nun am Ende des Stücks im wahrsten Sinne des Wortes "Höchste Eisenbahn", denn ihr 24-Stunden-Billig-Ticket läuft ab…
Ein verdienter und sehr langer Schlussapplaus beendete dann Roberts 39. Stück.

Olaf Christensen




Sarah’s Paper Theatre – Sarah Peasgood, Großbritannien
The Wild Swans

 Sarah Peasgood ist flügge geworden. Nach ihren Papiertheateradaptionen amerikanischer Comic Strips, hat sie sich diesmal ein klassisches Andersen-Märchen ausgesucht und dessen Ausstattung vollständig selbst entworfen. Angeregt von den Bühnenbildern des russischen Avantgardekünstlers Iwan Bilikin, entstanden zarte, poetische Dekorationen und Figuren, die in ihrer stilisierten „Volkstümlichkeit“ gut zur Illustration eines Märchens passen. Auch sie setzt konsequent auf einen begleitenden Soundtrack – in diesem Fall die Musik des deutschen Komponisten Max Richter. Dass Sarah Peasgood alleine spielt und live dazu spricht, verdient Bewunderung. Erleichtert wurde ihr das unter anderem durch die Bühnentechnik, die den Bühnenprospekt durch eine neuartige, in unterschiedlichen Tönen glühende Lichtbox ersetzte, wie wir sie sicher künftig öfter sehen werden. Der Theaterzettel verrät, dass in der Familie Peasgood offenbar die Papiertheatertradition nicht nur von Sarah weitergeführt wird: William, der jüngste Spross der Familie, baute Bühnentechnik und Lichtanlage. Wir hoffen auf mehr!

Sabine Herder




Papierthéâtre – Narguess Majd, Alain Lecucq, Frankreich
Black or White

Es war die größte Bühne des diesjährigen Festivals. Im ohnehin schon großräumigen „Speicher“ nahm sie fast die gesamte Breite des Raumes ein und wirkte in ihrem dröhnenden Schwarz mit der eigenartig geformten, kleinen Bühnenöffnung beinahe einschüchternd. Das „Papierthéâtre“, wartete, trotz gewohnter Besetzung, in diesem Jahr mit einer Neuerung auf: Erstmals präsentierte Narguess Majd in Preetz ein eigenes Stück. Alain Lecucq, ihr einstiger Lehrer, begab sich für diese Produktion in die zweite Reihe.
„Black or White“ erzählt in sieben gleichnishaften Episoden vom Abschied eines Jungen von seinem sterbenden Großvater. Irgendwann dämmert dem Betrachter, dass diese, sich immer weiter öffnende Bühne ein Auge ist, das Auge des Jungen, der von seinem Großvater noch einige Lehren mit auf seinen Lebensweg bekommt. Mit seiner wachsenden Erkenntnis weitet sich sein Blick auf die Welt, an dem wir aus der Loge hinter seiner Stirn teilhaben dürfen. Narguess Majd entführt uns mit Ihren berauschend schönen Bildern, die, stark stilisiert und in zarten Farben, an die Hochblüte des Jugendstils erinnern, in die Vorstellungswelt eines Kindes. Hier gibt es noch Wunder, Märchenmotive und Fleisch gewordene Allegorien. Die Wirklichkeit ist noch von der Vorstellungswelt überlagert, die Wahrnehmung wird von Erwartungen beeinflusst. Dies zu entwirren, überfordert den Jungen; aber, wenn wir uns die Lehre des Großvaters zueigen machen: Geht es uns Erwachsenen nicht auch oft so?
„Black or White“ ist Papiertheater der Profiliga, weit jenseits der oft augenzwinkernden Toleranz, mit der wir den einen oder anderen Schnitzer zu verzeihen bereit sind. Eine Geschichte mit Anspruch, großartig vorgetragen und fulminant präsentiert. Diese Bühne war nicht nur die größte, sie war auch die schönste dieses Festivals!

Sabine Herder





Théâtre de Table – Eric Poirier, Frankreich, Marlis Sennewald, Hamburg
Willibald. Balèze

Das „Herz“ des Festivals als Debütantin. Wenn das mal keine Nachricht ist! Eric Poirier hat sich Hilfe gesucht und ist bei Marlis Sennewald fündig geworden. In monatelanger Vorarbeit in Frankreich und Schönberg entstand das Spiel nach einem Kinderbuch. Das „Théâtre de Table“ fand diesmal nicht auf dem Tisch statt, sondern auf einem „richtigen“ Theater. Und was für einem! Wenn Eric Poirier schon nicht jedes ihn umgebende Möbelstück bespielen kann, muss sein Proszenium doch wenigstens vier Spielebenen haben. Und selbst da kann man noch etwas dran bauen.
Das Spiel erzählt von Mäuserich Willibald, der die von ihm selbst geschürte Angst der Mäusegemeinschaft vor der Katze nutzt, um ein diktatorisches Regime aufzubauen. Wie sich die Mäusebande zunächst allen Schneid, dann die Freiheit und schließlich den Spaß abkaufen lässt, ist ein Lehrstück darüber, wie die Mechanismen totalitärer Systeme arbeiten. Die wunderbar schrägen Figuren aus der Feder von Christiane Comtat machen das ursprünglich zahm illustrierte Kinderbuch auf der Bühne zur Augenweide, bizarre Regieeinfälle zu einem Spaß für große und kleine Zuschauer. Marlis Sennewald leiht mit viel Charme und bezaubernder Keckheit ihre Stimme Lilly, der in die Bibliothek verbannten Mäusedame, die am Ende ihre Mitmäuse wieder zur Vernunft bringen kann. Eric Poirier tut es gut, sich an einen festgelegten Spieltext halten zu müssen, statt zu improvisieren. Es nimmt seinem Spiel zwar nicht die Rasanz, aber die sonst oft vorhandene Atemlosigkeit, der man in den vergangnen Jahren manchmal nur schwer folgen konnte. Dieses Team hat Zukunft!

Sabine Herder


Eine lustige Mäusegeschichte und zugleich eine Parabel über politische Gewaltherrschaft. Wie das geht? So:
Mäuserich Willibald schwingt sich zum Chef der Mäusegesellschaft auf, die in einer Menschenvilla lebt, irgendwo unten, wie das untere Bühnenfenster verdeutlicht. Oben tanzen die Mäuse nur, wenn die Menschen nicht zu Hause sind, die auch wir aus der Mäuseperspektive wahrnehmen, als Beine mit Puschen dran.
Mittels einer maßlos überzogenen Katzenphobie erzeugt Willibald ein Klima der Angst und schwingt sich zum Führer auf. Das normale Leben, das sich Mäuse ebenso wie Menschen wünschen, wird durch Aufmärsche, Manöver und Kampfdrill ersetzt. „Ein Haus – eine Familie – ein Chef!“ lautet die Parole, in der wir etwas wieder erkennen. Albino- Maus Lilli mit Fehlfarben und eigener Meinung wird selektiert und in die unfressbare Bibliothek gesperrt. Dort aber lernt sie Lesen und Denken, durchschaut die Tücken der Mausefallen und des Herrschaftsapparats und führt ihre Freunde in die Freiheit.
Eric Poirier hat aus dem Kinderbuch von Willi Fährmann ein Lehrstück über die Entstehung von Tyrannei gemacht, ohne Kindern die Freude an der Kerngeschichte über eine kecke Mausbande zu nehmen und den Erwachsenen die Möglichkeit zur tieferen Einsicht, auch dank Marlis Sennewalds Übersetzung. Beide (!) sprechen live und heizen den von Eric treffend gestalteten Figuren mit Ecken und Kanten mauseschnelles, Schweiß treibendes Leben ein, mit viel action sind hinter, neben und vor der Bühne. 

Uwe Warrach